Este cuadro lo pintó Fra Angélico, un pintor florentino de la primera mitad del siglo XV, que trabajó también en Roma para los papas.

Es uno de los principales pintores de los principios del Renacimiento italiano (of the early Italian Renaissance).

En él vemos a la Virgen María, vestida de azul y al Niño Jesús.

Veamos qué tiene este cuadro (Let's see what has this picture?) que mira hacia el pasado, qué es anticuado (dated), y veamos qué tiene de moderno o de anuncio de futuro.

O dicho de otra manera,veamos cómo insertar este cuadro en esa secuencia que llamamos la Historia del Arte.

En primer lugar los materiales: es típico de la pintura medieval, de la pintura antigua, utilizar materiales muy caros (very expensive) o el valorar a los cuadros según el valor de sus materiales.

Por ejemplo, aquí vemos mucho oro en el fondo (much gold in the background), y vemos en el azul de la Virgen que ha utilizado un material también muy caro, el mineral lapislázuli (lapis?), que viene de unas minas de Afganistán.

Los contemporáneos hubiesen reconocido (had recognized) en este cuadro un objeto caro y lo hubiesen valorado como tal (had valued as such).

Lo que es moderno y también lo vemos aquí, es cómo se usan esos materiales.

Se empezará a valorar (They will begin to assess) más cómo pinta un pintor, que qué materiales usa (what materials to use) ese pintor para pintar.

Por ejemplo, el fondo de oro ya no es un fondo plano (a plain background), sino que se ha convertido en una cortina (a curtain), en un paño (a cloth).

Vemos incluso los pliegues (the folds) por los lugares donde los sujetan los ángeles (where angels hold).

También el azul del manto (of the mantle) que viste la Virgen se pliega (folds) sobre sus rodillas (her knees), se pliega al car al suelo (it folds down to car?) y parece real en ese sentido.

También el simbolismo del cuadro tiene algo de anticuado (has some outdated?).

Los cuadros cuentan historias (The pictures tell stories) y para contarlas (to count them?) tienen que usar símbolos, lenguaje simbólico, no pueden usar palabras ni habladas (spoken?) ni escritas.

En este caso, vemos que la Virgen y el Niño sujetan unos jarrones (some vases) con unas flores: esas flores son símbolos de la pureza (of the purity) de estas figuras.

Hasta cierto punto (To some extent) la pintura va a seguir usando símbolos (will continue to use symbols) durante muchos siglos, pero cada vez lo hará menos (but increasingly less).

Se irá valorando más el realismo (It will be assessing the realism) y menos el simbolismo.

Esta es una tendencia general que tiene la pintura europea del siglo XV al siglo XVIII.

Lo que tiene el cuadro (What is the picture?) de realista es lo que tiene de moderno.

Lo vemos por ejemplo en la psicología de las figuras, en sus rostros (on their faces).

Vemos una ternura (We see a tenderness) que parece real, una presencia psicológica que nos convence, en la que podemos creer, no de forma simbólica, sino de forma empática o personal.

Podemos sentir cómo siente aquí la Virgen.

Y vemos también que el espacio tiene algo de real o de tridimensional.

Fijaos en la parte de abajo de la escena (Look at the bottom of the scene).

Hay un escalón (There is a step), y ese escalón nos hace entender (makes us understand) que hay una recesión espacial de un primer plano a un plano del fondo (a flat bottom).

Y mirad también cómo las figuras son redondas (are round), tienen tres dimensiones, tienen bulto (they have bulk), parecen escultóricas (sculptures).

Ese realismo en la representación del espacio y de los objetos también es algo moderno, es una tendencia que irá avanzando hacia el futuro.

Al mirar un cuadro como este (When looking at a picture like this), también es interesante pensar no sólo en qué tiene de antiguo o de moderno, cómo encaja en la (how it fits in the) Historia del Arte, sino ver qué tiene de personal (but to see what's personal?), de típico de Fra Angelico, en qué consiste el talento peculiar de este pintor.

Sabemos que los contemporáneos hablaban de él como un pintor especialmente piadoso (pious), un buen pintor de la piedad (godliness), y algo de eso sentimos que es cierto cuando contemplamos este cuadro (is true when we look at this painting).

Nos contagia la ternura (We are contagious to the tenderness?) de la Virgen.

No tenemos que ser religiosos para sentirla.

Ahora vemos una imagen de otro cuadro, es un políptico (poliptic?), un políptico es un cuadro con muchas escenas (many scenes).

También hay trípticos (triptychs?) con tres escenas o dípticos con dos escenas.

Todo esto es un poquito anticuado en este momento (a bit dated at this time).

Eso no quiere decir que (That does not mean that) no podamos valorarlo, que no nos pueda gustar, lo que quiere decir es que en una secuencia histórica, esto es un resto del pasado y es diferente del futuro.

La escena central es muy parecida (similar) a la que hemos visto en el cuadro anterior, y eso es porque ese cuadro seguramente también proceda de un (comes from a) políptico, aunque no estamos seguros (although we are not sure).

A la Virgen y al Niño aquí, la acompañan santos;: los reconocemos por los símbolos que van con ellos.

Por ejemplo, la figura de la mujer a la derecha de la escena, es Santa Catalina de Alejandría, que fue martirizada en una rueda con cuchillos (a wheel with knives), y vemos parte de esa rueda junto a ella.

Típico de este cuadro, típico del Quattrocento italiano, de la primera mitad del siglo XV sobre todo, es la gama de colores (is the range of colors) que vemos aquí, y que veíamos también (that we also saw) en el cuadro anterior: colores claros, intensos, brillantes, luminosos y mucho oro.

Aprenderemos a reconocer la pintura (We will learn to recognize the painting) de esta época por esta gama de colores.

En parte, esta gama depende de la técnica que se utilizaba para pintar, la pintura al temple o tempera (temple o tempera?).

Consistía en mezclar pigmentos, normalmente de procedencia mineral, con un aglutinante (a binder) que era la yema del huevo (the egg yolk).

El resultado era esta pintura opaca (opaque), pero muy luminosa, muy brillante.

En la parte de abajo (beneath) de este políptico hay tres escenas, las escenas que aparecen en estas partes bajas de los polípticos, se llaman predelas, se suelen referir (often refer) a biografías o a historias relacionadas con los santos que aparecen encima (appear above).

En esta tercera imagen os enseño la (I show you the) predela que hay a la izquierda de este políptico.

Cuenta la vida (It accounts the life) de San Nicolás, Nicolás de Bari como se le conocía, ya que sus restos se encontraron en Bari (since his remains were found in Bari).

Por esa razón existía especial devoción hacia él en Bari y en el resto de Italia.

A la izquierda vemos el nacimiento del santo (the birth of the saint), que curiosamente aparece ya como santo, con un nimbo dorado rodeando su cabeza (with a golden haol around his head).

En el centro su educación, y a la derecha, uno de los milagros (one of the miracles) que se le atribuía: está metiendo una bolsa (he's getting a bag?) con oro por una ventana para aliviar las penas de una familia (to ease the pain of a family), de un padre que se había visto obligado (who had been forced) a prostituir a sus hijas por haber caído en la pobreza (for having fallen into poverty).

Lo que nos interesa de esta predela a nosotros, de esta escena, es lo que tiene de renacentista, de característico de esta época.

Lo primero es que vemos que la ciudad en la que tiene lugar estas historias, es una ciudad muy inspirada en la arquitectura de la Antigüedad.

No vemos templos góticos o románicos, lo que vemos es todo típico del Renacimiento: un arco de medio punto (a semicircular arch) a la izquierda, una balaustrada, unos festones (festoons) que la decoran, todo inspirado en la arquitectura griega y romana.

También el edificio redondo que hay al fondo y también el edificio que tiene un frontón (has a pediment), esa estructura triangular en su parte más alta (on its top), que nos recuerda a un templo (which reminds us of a temple) griego o romano.

Esto que nos parece una paradoja (This seems to be a paradox), para los contemporáneos no lo era.

Esta idea de representar la historia sagrada cristiana en un contexto arquitectónico antiguo, o pagano, es lo que define el Renacimiento.

Existe un prejuicio muy difundido (widespread) en este momento en favor de todo lo antiguo, de todo lo que es griego o romano, y este pintor es militantemente moderno en esta escena, en la que está enseñándonos una ciudad (which is teaching a city?), que se vincula con esa idea (which is linked to this idea) de la Antigüedad.

También es muy importante para el artista, la transmite muy claramente, la idea de que en esta escena veamos profundidad (this idea that in this scene we see depth).

La idea de que la pintura es como si fuese una ventana (The idea that painting is like a window) que se abre hacia un mundo real, que tiene tres dimensiones.

Vemos muy claramente la recesión espacial en las paredes (the walls) de los edificios, a la izquierda y a la derecha.

Muchas de las características que hemos visto en Fra Angelico, pero con un sello personal (a personal touch) algo diferente, lo veremos en nuestro siguiente artista;we will see in our next artist, en Botticelli.

Mientras tanto (Meanwhile, no olvidéis mirar el foro del curso.

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