Vamos a ver el arte de Andrea Mantegna.

Fue un pintor que trabajó en la segunda mitad del siglo XV, fundamentalmente en las ciudades de Padua y Mantua, en el norte de Italia.

Su arte nos ofrece la mejor muestra del entusiasmo (the best example of ethusiasm) que existía en la época por la Historia y por el Arte de la antigua Roma.

En esta escena vemos (In this scene we see) a Dido, la primera reina de Cartago.

Es una de las protagonistas de una de las obras más importantes de toda la Historia de la Literatura, "La Eneida", del poeta romano Virgilio.

En este poema, Dido se enamora de Eneas, pero él debe partir para cumplir (he must begin to comply to) con su misión de fundar Roma.

Su marcha causa (His departure caused) el suicidio de Dido.

Una razón para pintar una historia de la Eneida era su fuerza dramática y poética (his dramatic and poetic force).

Otra, era su origen en la Antigüedad romana.

Mantegna es uno de los pintores más rigurosos de todo el Renacimiento en su fidelidad a los textos y las obras de arte de la Antigüedad.

Fue amigo de algunos de los principales estudiosos de temas antiguos de la época, y él mismo estudió las ruinas romanas (he himself studied Roman ruins) que se conservaban.

Mantegna ha pintado a Dido preparándose (preparing) para su suicidio.

Detrás de ella vemos (Behind her we see) su pira funeraria, la espada que sujeta (the sword she is holding) con su mano derecha, es la que usará para acabar con su propia vida (to end her own life).

El cuadro es exquisito, la precisión de las líneas y la definición de las formas son características  de Mantegna.

La pose de la mujer se basa en estatuas griegas y romanas.

Llama la atención en este cuadro el hecho de que está pintado en un solo color, una mezcla de naranja y amarillo.

Los cuadros de un color eran una especialidad de la época, se usaban para imitar los relieves romanos.

Este tipo de pintura se conoce como grisalla, término que viene del color;comes from the color gris que solían tener (that used to have?) este tipo de obras.

Esta palabra se usa para describir este cuadro, aunque su color no sea el gris.

Lo que este cuadro pretende (What this picture intended) no es imitar un relieve en piedra, sino en bronce.

La cultura del Renacimiento valoraba mucho los desafíos (challenges).

La habilidad de un pintor para imitar materiales, fue alabada (was praised) por los contemporáneos.

En este cuadro vemos a Cristo mostrando las heridas (showing the wounds) de la crucifixión, que vemos en sus manos y sus pies.

Le sujetan dos ángeles, el de rojo es un serafín y el de azul un querubín.

La idea de que hay distintos tipos de ángeles se basa en diferentes textos religiosos.

Cristo descansa sobre el borde (rests on the edge) de un sarcófago de tipo romano.

Junto a su muñeca derecha (Along side his right writst) se ve que el sarcófago está abierto.

Allí será depositado su cuerpo (This is where the body will be deposited).

Sobre el suelo (On the ground), junto al borde del cuadro, vemos la tapa (we see the lid) del sarcófago.

El precioso paisaje (The beautiful landscape) se extiende hasta el horizonte.

La luz del alba (The light of dawn) ilumina la parte inferior de las nubes.

A la derecha vemos la colina con las tres cruces.

La representación del paño que cubre a Cristo es una maravilla (The representation of the cloth covering Christ is wonderful).

Mirad el trozo de tela que sujeta el ángel (Look at the piece of cloth that the angel is holding) de la derecha, da la impresión de que Mantegna disfrutó pintándolo (enjoyed painting it), de que esto es un alarde de su habilidad como pintor (a display of his skill as a painter).

La precisión con que se representa la anatomía de Jesús, la cuidadosa descripción de la naturaleza (careful description of the nature), son características del Renacimiento, que valoraba la observación (which valued the observation) y la precisión, por encima de la representación esquemática de las cosas (above the schematic representation of things).

Las tres caras expresan dolor y pena (The three sides express grief and sorrow), parecen un poco forzadas (they seem a little forced).

A Mantegna le ha costado pintar (struggled to paint) esta parte del cuadro.

Esto nos recuerda que (This reminds us that) estamos aún en una fase temprana (we are still in an early stage) del Renacimiento.

Los seres humanos no aprendemos únicamente de forma individual (not only learn individually), lo hacemos también de forma colectiva y esto lo demuestra la Historia del Arte.

Los pintores del siglo XV aún no podían pintar las expresiones del rostro de forma enteramente satisfactoria.

Esto lo conseguirían los pintores de la siguiente generación, gracias a los esfuerzos (thanks to the efforts) de Mantegna y de sus contemporáneos.

Una paradoja interesante (And interesting paradox) que nos plantea la Historia del Arte, es que nos podemos sentir profundamente emocionados (is that we can feel deeply moved) por aspectos de un cuadro que no satisfacían del todo los objetivos de su creador.

Aquí las figuras son muy rígidas, parecen esculpidas en piedra.

Sin duda Mantegna hubiese querido que pareciesen más naturales, pero en el siglo XV los pintores aún no habían aprendido a hacerlo.

Y sin embargo (And yet), a nuestros ojos o al menos a los míos (our eyes or at least mine), la rigidez de las figuras las dota (gives them) de monumentalidad, parecen mayores de lo que son: el cuadro sólo mide 65 centímetros (a painting that only measures 65 centimeters) de alto.

Y también las hace parecer distantes en el tiempo, eternas.

Esta es la "camera picta" o sala pintada (painted room), una sala del Palacio Ducal de Mantua, en cuyas paredes Mantegna pintó unos paisajes y personas.

Cuando uno se encuentra en esta sala, da la sensación de que el techo y las paredes (the roof and walls) se abren al cielo y al campo: es una obra maestra de ilusionismo pictórico.

Vale la pena viajar a Mantua para verlo (It's worth traveling to Mantua to see it).

Nos vamos a centrar únicamente en el techo (We will focus solely on the roof).

Vemos una abertura circular y a través de ella vemos el cielo.

Las figuras se protegen tras una balaustrada (are protected behind a balustrade): si no lo hiciesen, caerían sobre nosotros (if they were not, they would fall on us).

Algunas de las cosas que vemos sí que parece que se van a caer (Some of the things we see do seem to be falling?).

Mirad el gran tiesto con plantas (Look at the large potted plants) a la izquierda: apenas se sujeta sobre un palo (barely held on a stick), se puede caer en cualquier momento.

En el lado contrario, uno de los niños sujeta una manzana (one of the children is holding an apple) que también se podría caer.

Algunas de las personas que se asoman a la barandilla sonríen (who are overlooking the railing are smiling): está claro que Mantegna tenía sentido del humor, que le divertía este tipo de engaño (and was amused by this type of deception).

Al margen del humor (Regardless of humor), aquí está sucediendo algo importante (there is something important happening here).

Mediante los efectos que hemos descrito (By the effects we have described), el pintor consigue llamar nuestra atención, nos transforma en espectadores activos, hace que estemos alerta (makes us alert).

Al conectar con nosotros de esta manera, el pintor logra dos cosas (the painter accomplishes two things).

En primer lugar, consigue que centremos toda nuestra atención en lo que (he gets us to focus all our attention on that which) está pintando.

Aunque en este caso (Although in this case) el tema no parece ser muy importante, en otros muchos cuadros sí que lo es.

Es muy importante para un pintor conseguir nuestra atención.

En segundo lugar, consigue que admiremos su habilidad como pintor, que nos asombre su facilidad para engañar a nuestros sentidos.

Esto es importante para la Historia del Arte.

Futuras generaciones de artistas, especialmente en el siglo XVII, recogerán el testigo (gathered the control?) de Mantegna: buscarán como él que conectemos con sus cuadros y que nos admire su capacidad para crear ilusiónes.

Para acabar, una idea que (Finally, an idea that) quiero compartir con vosotros: el conjunto de cuadros (frameset?) de un pintor constituye un mundo visual que es diferente del que habitamos.

Esta idea tan sencilla nos recuerda que (This simple idea reminds us that) la pintura enriquece enormemente nuestras vidas (painting greatly enriches our lives).

En lugar de conocer un solo mundo, el nuestro, el de cada uno de nosotros, podemos adentrarnos en muchos otros mundos (we can delved into many worlds), creados por la imaginación de los artistas.

Acabamos (We just have to?) de pasar un rato (pass some time) en el mundo visual de Mantegna.