La influencia de Caravaggio fue tan grande, que surgió (emerged) un estilo internacional basado en sus obras y que se asocia con su nombre, el "caravaggismo".

Lo practicaron artistas en Italia (It was practied by artists in Italy), en España, en Francia, en los Países Bajos y en la actual Bélgica.

La necesidad que se venía sintiendo (that was being felt) en el continente de que apareciese una nueva forma de pintar, se vio satisfecha (it was satisfied) por las novedades que proponía (proposed) Caravaggio.

Uno de los artistas más importantes en basar su estilo (in basing his style) en Caravaggio, fue Jusepe Rivera, cuyo "San Andrés" muestro aquí (shown here).

Es de hacia (It was towards) 1631.

Cuando diferentes artistas pintan en un estilo similar, cuando siguen las mismas normas en cuanto al color (in terms of color), el tipo de figura y el tipo de composición, sus diferencias se hacen más obvias (became more obvious), se resaltan (they were highlighted).

En este cuadro vemos claramente la influencia de Caravaggio, en el fuerte contraste entre las zonas iluminadas y las que no lo están (those that are not).

Y vemos también la preferencia por un modelo nada idealizado.

Estos son los rasgos estilísticos (These are the stylistic features) que compartían (shared) los "caravaggistas" europeos.

Ribera es más severo que muchos de los otros.

San Andrés no es una figura heroica, sino sobria (but sober), apenas se acompaña (hardly accompanies) de la cruz que se refiere a (refers to) su martirio, y del pez (of the fish) que lo identífica como el pescador que fue.

Los cuadros de Ribera son silenciosos, animan a la contemplación (encourage contemplation).

Otra característica de este pintor es su forma de componer los cuadros.

Aquí vemos que el brazo derecho se hace eco de la forma de (echoes the shape of) un brazo de la cruz, y el cuerpo y la cabeza del otro.

Todos los pintores componen siguiendo patrones similares, pero en Ribera estos están muy marcados, cobran (charge?) un protagonismo especial.

Somos muy conscientes de ellos cuando miramos (when we look at) sus cuadros.

Es típico de Ribera el uso de una pintura muy empastada (pastel), muy espesa (thick), que vemos en algunos lugares (in some places) en esta escena: en la cabeza, por ejemplo.

Esta pintura crea mucha textura.

Cuando la luz incide sobre el cuadro (strikes the painting), crea minúsculos contrastes entre los surcos (the furrows) que quedan iluminados y los que quedan en sombra (that are illuminated and those that remain in shadow).

El resultado es un tipo de superficie pictórica muy característica de este pintor.

La textura de sus cuadros en ocasiones supone un problema (it is a problem?) para su conservación, puesto que la suciedad se acumula en los surcos (since dirt accumulates in the furrows) y es muy difícil de eliminar.

Veamos algunos datos sobre la vida de Ribera: nació en 1591, en España, en Játiva, cerca de Valencia; hacia los quince años de edad (toward fifteen years of age) se trasladó a Italia (he moved to Italy) y allí permaneció el resto de su vida.

Sabemos que sus contemporáneos pronto se referían a él como (they were soon referring to him as) un seguidor del estilo de Caravaggio.

En 1616 se trasladó de Roma a Nápoles y allí vivió el resto de su vida.

Nápoles era una de las dos o tres mayores ciudades de Europa en ese momento.

Era mayor que Roma, por ejemplo, y pertenecía a (belonged to) la monarquía española.

Ribera trabajó para los virreyes (worked for the viceroys) y la administración española y muchos de sus cuadros se enviaron a España (were shipped to Spain), donde tuvo mucha influencia (where they had a lot of influence).

En este cuadro, de 1628, vemos de nuevo el énfasis (the emphasis) en los aspectos composicionales o de estructura formal.

Los ángulos que forman la pierna doblada del santo (The angles that form the saint's bent leg) y los brazos que se ven en el cuadro (that you see in the picture), se relacionan entre sí (they relate to each other) y todos ellos con el formato rectangular del cuadro.

Parecen notas (They look like notes) en una escala musical que varían, o que se repiten marcando el carácter de la imagen.

El santo es Andrés, como en el cuadro anterior (as in the previous picture), a quien preparan para su crucifixión.

A pesar de la acción (Despite the action), el cuadro inspira contemplación y silencio.

En este cuadro también vemos el uso de pinceladas muy empastadas (very pastel brushstrokes), que crean una superficie con mucha textura.

Esto es difícil de apreciar en una foto, pero se atisba en este detalle (but you peek at this detail) de la parte inferior de la escena, en la mano y en la zona del talón (heel).

Dentro del contexto de esta escena sombría (Within the context of this grim scene), llaman la atención los acentos del azul del cielo, y del color naranja del paño (cloth) que hay en la esquina inferior derecha (which is in the lower right corner).

Estas escasas y agradecidas (few and grateful) notas de color, también son características de este pintor, sobre todo a partir (especially starting) de la década de 1630.

Ribera dominó el mundo del arte en Nápoles de tal modo (that way), que otros pintores tuvieron que adaptarse (they had to adapt) a su forma de pintar, si querían vender sus cuadros.

De esta manera indirecta se prolongó la influencia de Caravaggio en esa ciudad.

Un ejemplo es el arte de Mattia Preti, un pintor nacido en 1613, o sea, 22 años después que Ribera y 42 después que Caravaggio.

Trabajó en Roma en los inicios de su carrera, en un estilo derivado de Caravaggio y se trasladó a Nápoles en 1656, poco después de morir Ribera, seguramente buscando rellenar el hueco profesional dejado (fill in the professional gap left) por éste.

En Nápoles su vena (vein) "caravaggista" se vio acentuada (was accentuated).

Incluyo este cuadro en esta charla (in this talk), por una reciente visita al Museo Capodimonte en Nápoles, al que pertenece (to which it belongs).

Es una de las grandes colecciones de Europa, con importantes obras de Pieter Bruegel, de Rafael, de Tiziano, y de Caravaggio entre otros muchos.

Incluso en ese contexto excepcional, este cuadro destaca por su belleza (stands out for its beauty).

Preti vivió una vida muy larga y fue muy prolífico.

No siempre me resultan tan atractivos (I do not always find them so attractive) sus cuadros como en este caso.

Digo esto para recordaros que (I say this to remind you that) con la pintura, como con la música por ejemplo, no es raro que se de el caso de que nos guste especialmente una pintura de un artista, pero no otras.

Esto puede parecer obvio, pero es bueno recordarlo cuando estudiamos la Historia del Arte centrándonos en los autores (focusing on the authors).

Quizás la cualidad (Maybe the quality) más sobresaliente de este "Martirio de San Sebastián" de Mattia Preti, es la plasticidad de la figura, la sensación de que su poderosa anatomía es maleable (its powerful anatomy is malleable), que está sujeta a la fuerza de la gravedad.

Sentimos su peso (We feel your weight?), que cuelga (hang) de las muñecas (dolls?) del santo, y que parece resbalar sobre la piedra en que se apoya (slide on the stone in which it rests).

Sebastián fue un santo de época romana, a quien ataron y dispararon con flechas (who they bound and shot with arrows).

Fue muy representado desde la época del Renacimiento, puesto que el tema (since the subject) permitía la representación de un cuerpo masculino desnudo.

Esto era muy del gusto de una época muy interesada por las esculturas antiguas (the ancient sculptures), que mayoritariamente también mostraban (showed) desnudos.

En el cuadro llama la atención el contraste entre la fuerza del joven (the strength of the young man) y su impotencia.

Empatizamos también con el rostro (the face), que mira hacia el cielo (that looks toward the sky), mezclando indefensión y esperanza (mixing helplessness and hope).

El realismo de la pintura del XVII, nos puede hacer olvidar por un momento (can make us forget for a moment) que lo que vemos es un cuadro, pero es el artificio del pintor el que nos seduce y nos convence.

Una última idea: los cuadros que hemos visto en este vídeo se hicieron (were made) en la Europa católica, durante una época de reacción militante frente a los protestantes (in front of the Protestants).

De ahí deriva (From there derives) parte de su fuerte carácter, de su poder de comunicación (of its power of communication).

Es un tipo de arte diseñado (of designed art) para transmitir y reforzar una verdad que se entendía (that was understood) como única e incuestionable.