Miguel Ángel Buonarroti a quien conocemos como (whom we kow as ) Miguel Ángel, vivió de 1475 a 1564.

Se formó en Florencia (He trained in Florence) y trabajó durante toda su vida entre esa ciudad y en Roma, donde trabajó para los papas.

Fue escultor, arquitecto, pintor y también un gran dibujante.

Nos vamos a centrar en este vídeo únicamente en su pintura (We will focus in this video solely on his painting), pero para comprender toda su dimensión como artista, es importante recordar que (it is important to remember that) la cúpula de San Pedro en el Vaticano que él diseño y esculturas (the design and sculpture) como el David o el Moisés, se encuentran entre las obras más importantes de toda la Historia del Arte.

Miguel Ángel fue el primer artista en ser considerado un genio (was the first artist to be considered a genius) por muchos de sus contemporáneos.

Esto es un hito importante (This is an important milestone) en la historia de lo que ha significado ser pintor (of what it has meant to be a painter) en Europa.

Su dedicación a las diferentes artes, la sensación de que con él culmina la búsqueda iniciada en el siglo XV (the feeling that it culminates with teh search initiated in the 15th century), de un ideal inspirado por el arte de los antiguos y su enorme influencia, convierten a Miguel Ángel en uno de los protagonistas de la fase central del Renacimiento, junto con Leonardo y con Rafael.

Las principales pinturas de Miguel Ángel son las pinturas murales que realizó en la bóveda y en una pared (in the vault and on a wall) de la Capilla Sixtina en el Vaticano, que vemos en esta imagen.

La Capilla Sixtina es un espacio para el uso privado del papa construida en el siglo XV por Sixto IV, de ahí viene su nombre (hence its name).

Es también el lugar donde aún hoy (It is also the place where even today), los cardenales de la Iglesia católica se reúnen para elegir a cada nuevo papa.

Miguel Ángel pintó la bóveda entre 1508 y 1512 por encargo (custom made) del papa Julio II.

En el centro de la composición hay nueve escenas del libro del Génesis del Antiguo testamento, en torno a ellas hay numerosas figuras (around them are numerous figures).

Aquí vemos una de las escenas principales: muestra la creación de Adán, el primer hombre.

Dios aparece rodeado de otras figuras (God appears surrounded by other figures), Adán está solo, entre ellos vemos que el espacio está casi vacío (the space is almost empty).

Las dos figuras parecen dioses o héroes de la Antigüedad, se inspira en las esculturas antiguas (inspired by the ancient scultures) que se conocían entonces (that were then known), como esta, el Laocoonte, que se encontró en Roma en 1506 (which was found in Rome in 1506) y que se guardaba en el Vaticano.

El arte antiguo había usado el cuerpo humano, con frecuencia desnudo, como el elemento central de su vocabulario.

La expresividad y la grandeza de esta y de otras esculturas similares y su ideal de belleza guiaron el arte de (guided the art of) Miguel Ángel.

Esta escena representa el momento en que Dios, tras modelar el cuerpo del primer hombre (modeled after the body of the first man), lo dota de alma (gives it soul).

Casi podemos sentir la tensión (We can almost feel the tension) eléctrica de los dedos que se van a tocar (that are playing).

Es una imagen que expresa con gran claridad una idea importante: la diferencia que existe entre el alma y el cuerpo (between body and soul).

El alma es aquello que falta cuando se acaba la vida (The soul is what is missing when life ends), aquello que misteriosamente desaparece al morir una persona.

Adán está a punto de recibirla (Adam is about to receive?).

Podemos anticipar aquí que en cuanto el dedo de Dios le toque (when the finger of God touches him), todo su cuerpo se activará.

Mirad el cuerpo de Adán en este detalle: es muy característico de cómo pinta Miguel Ángel, los contornos están muy marcados y el modelado, el uso de la luz y la sombra para crear volumen, es muy enfático, se nota mucho (it is very noticeable).

Por estas dos razones, las figuras de Miguel Ángel parecen muy escultóricas.

Él mismo (The same) en una ocasión escribió lo siguiente: "la pintura es mejor cuanto más se acerque a un relieve (the closer you get to a relief)".

Esta preferencia suya se aprecia (can be seen) en esta imagen.

Esta es otra parte de la misma bóveda (This is another part of the same vault), la figura es una sibila (a sibyl), una figura de la mitología griega que predecía el futuro (that predicted the future) y que para los cristianos había anunciado la venida de Cristo.

Fijaos en cómo las diferentes partes (Look at the different parts) de su cuerpo se oponen unas a las otras (they oppose each other): la cara mira hacia la izquierda (the face looks to the left), los hombros (the shoulders) y el torso hacia la derecha y las piernas (the legs) de nuevo hacia la izquierda.

Esta forma de componer a base de opuestos (This way of composing opposites) se conocía como "contraposto".

Procedía del arte antiguo (It came from ancient art) y fue recuperada (was recovered) durante el Renacimiento.

Miguel Ángel la usó con mucha frecuencia.

En esta hoja (In this paper?) vemos varios dibujos preparatorios (preparatory drawings) hechos por Miguel Ángel para la imagen de la sibila (for the image of the sibyl): imaginad la cantidad de dibujos que tuvo que hacer para toda la bóveda (had to do for the whole vault).

Aunque las sibilas eran mujeres (Although the sibyls were women), Miguel Ángel parece haber usado un modelo masculino.

Mirad el cuidadoso (carefully) modelado de la figura, que es impresionante.

Uno de los dedos de los pies (One of the toes) parece haber necesitado más trabajo que otras partes de la figura.

La calidad de los dibujos (the drawings) de Miguel Ángel contribuyó a elevar los estándares de la práctica artística (standards of art practice) durante siglos y también hizo que la habilidad de los artistas para dibujar (made the ability for artists to draw?), se convirtiese en una forma de medir su talento (it was to become a way to measure their talent).

En 1534 Miguel Ángel recibió el encargo de pintar la pared del altar (received the commission to pay the alter wall) mayor de la misma Capilla Sixtina (of the Sistine Chapel itself), con una escena del Juicio final.

Terminó en 1541.

En los más de veinte años que separan esta obra de la bóveda, habían cambiado tanto el ambiente religioso en Roma (they had changed the religious atmosphere in Rome), como la propia mentalidad y religiosidad del pintor.

Esta escena parece más fatalista que las anteriores y expresa la preocupación del artista por la muerte y la redención (the redemption) que caracterizan el último periodo de su vida.

La figura principal de la escena es Cristo resucitado, que muestra en sus manos y en sus pies las señales de la crucifixión.

Mira hacia la parte inferior derecha (Look at the bottom right), donde se encuentran los condenados (where you will find the convicted).

Con el gesto de su mano derecha los envía al infierno (With the gesture of his right hand sends them to hell), con su otra mano, llama a los bendecidos hacia el cielo.

En torno suyo hay profetas (Around him are prophets) y santos que parecen intimidados por su presencia (who seem intimidated by his presence), junto a él está la Virgen María (next to him is the Virgin Mary), que mira hacia el lado de quienes salen de sus tumbas (the side of those who go out to their graves?) y se elevan hacia el cielo.

Parece tener miedo de mirar hacia el otro lado (She seem afraid to look the other way), en cuya parte inferior están los que van al infierno.

Entre ellos vemos a Caronte, a quien vimos en un cuadro (who we saw in a painting) de Patinir.

Expulsa a un grupo de condenados de su barca con su remo (Expels a group convicted in his boat with his oar).

Debajo de Jesús, a su izquierda (Under Jesus, on his left), vemos a San Bartolomé.

Según las fuentes cristianas (According to Christian sources), fue despellejado por predicar la palabra de Cristo (he was skinned for preaching the word of Christ).

En una mano sujeta su propia piel (In one hand he holds his own skin): el rostro tiene los rasgos de Miguel Ángel (the face has the features of Michelangelo).

La vida y su juicio por parte de Cristo (Life and judgment by Christ), se presentan aquí como una epopeya (an epic).

El ánimo de la escena es grave, incluso aterrador (The mood of the scene is severe, even frightening).

Las figuras impresionan por su gran presencia física y también psicológica (for their great physical and psychological presence).

Esta combinación de grandiosidad y de psicología atormentada (The combination of grandeur and tormented pscyhology), de poderío físico y angustia (physical strength and anguish) vital es sobrecogedora (overpowering), y es muy característica de Miguel Ángel.

Los contemporáneos la llamaban "terribilitá".

Por último, unas palabras sobre la técnica de la pintura al fresco utilizada por Miguel Ángel en la Capilla Sixtina.

Esta era la técnica más habitual en la pintura mural.

Consiste en diluir los pigmentos en agua (It consisted in diluting the pigment in water) y en aplicar esta mezcla directamente sobre una capa de estuco húmedo en la pared (on a layer of wet stucco wall).

Tras absorberse los colores y secarse la pared (Having absorbed the colors and dry wall), la pintura quedaba integrada en ella.

Cada día se aplicaba estuco solo a un espacio limitado para que no se secase antes de pintarse (so as not to dry before painting).

Los límites de las secciones de yeso (The boundaries of the sections of plaster) aplicadas y pintadas cada día, se pueden ver aún en la superficie (they can be seen) de las pinturas murales.