Guido Reni nació en 1575. Forma parte de la primera generación de pintores que desarrollaron gran parte de su carrera en el siglo XVII.

Reni se formó en Bolonia y trabajó allí durante la mayor parte de su carrera.

También pintó en Roma durante varios años y fue llamado a Nápoles (he was called to Naples) para pintar en la catedral de la ciudad, pero las amenazas de un pintor local le hicieron huir (make him run away).

Aunque este es un caso extremo, sirve para recordar la virulenta competencia que existía en el mundo del arte en Italia en el siglo XVII.

El tema de este cuadro es el triunfo del amor sacro sobre el amor profano, un asunto algo frecuente (a somewhat frequent affair) en la pintura europea desde (since) el Renacimiento.

Tiziano, por ejemplo, pintó un cuadro muy famoso sobre este asunto (affair).

El amor profano se representa como un Cupido, el dios del amor.

Su contrincante lo ha atado y echa sus flechas al fuego (His opponent has tied him and thros his arrows into the fire).

La iluminación refleja la influencia de Caravaggio, que se observa ocasionalmente en la pintura de Reni.

Los tonos oscuros como el que vemos en el azul del cielo, al fondo de la escena, son característicos hasta la última parte de su carrera, cuando su paleta se hace muy clara.

Reni fue muy admirado por sus contemporáneos, por la elegancia de sus figura sobre todo.

El término italiano "grazia", o gracia, con frecuencia se aplicó a su arte.

Las poses amaneradas (mannered poses) de las figuras en este cuadro buscan transmitir elegancia.

Los rasgos idealizados (The idealized features) del joven de la izquierda son muy característicos de Reni.

Este es uno de los cuadros más famosos del pintor.

Como la mayor parte del arte de ese período, el tema es cristiano.

Según los Evangelios, cuando nació Jesús, el rey Herodes, temeroso de perder su poder (fearful of losing his power), ordenó que se ejecutase a los niños que vivían en la zona de Belén.

Los dos ángeles de la parte superior del cuadro, llevan hojas de palma (they carry palm leaves), símbolos del triunfo de los mártires, que en este caso son los niños.

El pintor se ha centrado (The painter has focused) en la reacción de las madres.

Desde el Renacimiento (Since the Renaissance), se valoraba mucho (it was highly valued) la capacidad de los artistas para pintar figuras que expresasen diferentes sentimientos o pasiones a través de sus gestos.

Este es uno de los objetivos de Reni en este cuadro. Los rostros (The faces) y movimientos de las mujeres expresan dolor, y miedo (fear) y esperanza.

La disposición simétrica de las figuras y las arquitecturas del fondo, confieren a la composición un carácter muy abstracto.

Pintar figuras era lo más importante para un pintor de la época, y pintar varias figuras juntas se valoraba especialmente por su complejidad.

Los cuadros se solían pagar por figuras (they used to pay for figures): mientras más hubiese (the more he had), más caro era un cuadro.

En este caso se observa muy claramente el esfuerzo (the effort) que ha hecho el artista por relacionar unas figuras con otras.

Están muy idealizadas, reflejan el estudio del arte de Rafael y también el de las estatuas clásicas.

La cabeza de la mujer que mira hacia arriba con las manos juntas (who looks up with her hands together), es un ejemplo de la interpretación del arte de la antigüedad que nos ofrece Reni.

Durante siglos, los europeos y los americanos hemos construido nuestros edificios públicos, nuestros bancos y otros edificios, inspirándonos en la antigüedad clásica.

La razón es que admiramos ese momento de la Historia, lo identificamos con la virtud cívica, con el orden, y con nociones de ese tipo.

Esta mujer se inspira en ese mismo pasado (in the same past) por las mismas razones.

Su rostro refleja el cuidadoso estudio (the careful study) por parte de Reni de las esculturas romanas.

En el contexto de violencia y caos que la rodea (the surroundings), su rostro clásico transmite credibilidad.

Cuando contemplamos un cuadro de Guido Reni, nos encontramos ante (we are facing) una versión elevada de la vida.

El mundo que pinta combina fortaleza física y espiritual, los sentimientos de sus figuras aspiran a lo sublime.

Los cuadros de Reni dan sentido a este tipo de conceptos.

La combinación de colores pálidos (pale colors) que vemos en este cuadro, se fue haciendo cada vez (he was doing every time) más frecuente en la obra (the work) de Reni.

El tema del cuadro es la caridad (the charity), a quien vemos como una mujer.

Reni ha convertido este concepto en una secuencia de acciones (actions).

El niño que mama del pecho (of the breast) es el más pálido, el más necesitado de sustento (livelihood), el que duerme acaba de comer (the one who sleeps has just eaten) y tiene una complexión algo más oscura.

El tercer bebé es el que tiene la piel más oscura de los tres: ha sido el primero en alimentarse (he has been the first to feed) y pide el pecho de nuevo (asks for the breast again).

La capacidad para convertir un concepto como la caridad, en este tipo de historias se valoraba (was valued) mucho.

Aquí vemos de nuevo cómo unas figuras se integran en otras, y vemos también, sobre todo en la figura de la mujer, la idealización que es típica de Reni.

Los contemporáneos del pintor admiraban este tipo de cuadros, que reflejaban la refinada sensibilidad de su autor.

Guido Reni presenta uno de los casos de cambio de gusto más llamativos (most striking) de toda la Historia del Arte.

Durante su vida fue el pintor más famoso, más aclamado (most acclaimed) y también el más caro de Italia, por encima incluso de Caravaggio (even more than Caravaggio).

Una persona que negoció con él un contrato para pintar un cuadro en el Vaticano, escribió que había que pagarle discretamente, no fuese que se enterasen otros artistas (lest other artists find out) y se animasen a pedir cifras similares (and be encouraged to ask for similar figures).

En el siglo XIX la crítica artística cambió su opinión sobre el pintor.

Su arte se vio (looked) como demasiado sentimental y artificial.

Este tipo de crítica continuó hasta bien entrado el siglo XX.

La historia del gusto es una de las cuestiones que estudia la Historia del Arte.

Es muy interesante ver cómo valores que se consideraban importantes en época de Guido Reni, como la claridad formal y conceptual, la elegancia, el refinamiento, el idealismo, se consideran anatema (anathema) en otro momento de la Historia.

Una gran virtud de la Historia de la Pintura es que nos permite viajar (to travel) a épocas que se diferencian de la nuestra en cuestiones fundamentales.

El arte de Reni puede ser para nosotros un arte distante, su forma de comunicación y las cualidades que ensalza (extols) son de otra época.

Esto se puede ver como una cualidad.

Cuando contemplamos un cuadro suyo (yours?) viajamos a un lugar lejano (we travel to a faraway place) y por ello, a un lugar apasionante (thrilling).