Nuestro pintor de hoy es Botticelli.

Fue un florentino de la segunda mitad del siglo XV, muy conocido ya en su época.

Trabajó para los Medici, una importante familia de mecenas (patrons) y también para el Papa en Roma.

Pintó sus obras principales entre 1470 y 1490.

Este cuadro se llama La Anunciación.

Es un cuadro pequeño, apenas veinte centímetros de alto (just twenty inches high).

Ignorad la zona donde se ve la madera (where the forest is), que originalmente ocupaba un marco (a frame).

En el cuadro vemos el momento en el que la Virgen María, según las creencias cristianas, recibió del ángel Gabriel la noticia de que sería la madre de Jesús.

Botticelli envuelve la escena (surrounds the scene) en un aire de misterio.

Dejad que vuestros ojos recorran el cuadro (Let your eyes roam about the painting).

Tanto Gabriel como la Virgen inclinan la cabeza en un gesto de humildad.

El ángel se sujeta la túnica (in a tunic?) antes de arodillarse (kneeling) y la Virgen se cubre modestamente (covered modestly/).

Recordad siempre al ver pintura algo obvio, pero fácil de olvidar: nada de lo que vemos es real.

Es el artista quien ha decidido usar estos gestos y representar de esta forma el tema de la Anunciación.

La Virgen está detrás de una cortina recogida.

Tenemos la sensación de que estamos viendo una escena privada (we are watching a private scene) a la que no hemos sido invitados (to which we have not been invited).

Más adelante en nuestro curso, veremos este mismo tipo de vista hacia un interior en el arte de Vermeer, un pintor holandés del siglo XVII.

Mirad el contraste entre la dureza (the hardness) y los ángulos rectos de la arquitectura y la suavidad y formas curvas de las telas (of the fabrics).

El mueble que está detrás de la Virgen está cubierto por un velo (is covered by a veil) que nos deja ver lo que hay detrás (that lets us see what is behind it).

El artista nos va seduciendo poco a poco, nos va metiendo en su mundo (we will be getting into their world) mediante este tipo de detalles.

Como sucedía en la última obra (As happened in the last work) que vimos de Fra Angélico, hay mucho énfasis (there is much emphasis) en esta escena en la idea de que el cuadro es como una ventana que se abre a un mundo de tres dimensiones, a un mundo que tiene profundidad.

Esto se consigue gracias (This is achieved by) a un sistema de representación que se llama perspectiva lineal, muy característico del primer Renacimiento (of the early Renaissance).

Este cuadro es una buena muestra de cómo funciona este sistema: si se extendiesen las líneas (if the lines were extended), que en un espacio tridimensional serían perpendiculares al plano del cuadro, o sea, perpendiculares al soporte del cuadro, al lienzo o la tabla (to the canvas or board), estas líneas coincidirían en un mismo punto, o en unos pocos puntos, si el pintor quiere crear una imagen más compleja.

En este cuadro, si extendemos las líneas que forman los límites superior e inferior de las paredes que rodean al ángel (of the walls surrounding the angel), veremos que las líneas convergen en un único punto, situado por delante del rostro (in front of the face) de ángel.

Intentad hacer esto en casa (Try this at home).

Pintar la perspectiva de forma que se note tanto (note that both?), que sea tan protagonista del cuadro, es algo parecido a lo que hicieron los artistas (it is something like what the artists did) del movimiento Pop a principios de los años sesenta del siglo XX, al incluir en sus cuadros el logo de la marca Cocacola, es una forma de parecer nuevo, de parecer de su tiempo, de parecer moderno.

Fijaos en otra cosa: el paisaje que se atisba a través de las ventanas (glimpsed through the windows) en el fondo, es un elemento que los artistas italianos toman de la pintura que se hacía en Brujas y en Bruselas y en otras ciudades de lo que hoy llamamos Bélgica.

La Historia del Arte es como una gran conversación en la que los artistas muestran interés por las ideas y las novedades introducidas por otros y las incorporan a su pintura.

Este cuadro se llama Venus y Marte.

Su formato alargado indica (It's elongated form indicates) que se pintó para algún tipo de (by some type of) mueble, quizás una cama o un baúl (a chest) o un banco.

Vemos a Marte dormido.

Es el dios de la guerra en la mitología romana.

Unos pequeños sátiros le han quitado la lanza y el casco (you have removed the spear and helmet).

Frente a él está Venus, la diosa del amor.

Parece haber conquistado a Marte (She seems to have conquered Mars): él está dormido y ella está despierta (awake).

Este cuadro tal vez se pintase para un dormitorio (maybe it was painted for a bedroom).

Los temas de los cuadros se adecuaban (were suitable) al lugar que iban a ocupar (the place they would occupy).

En este caso el triunfo del amor y el sueño (dream) de Marte, que en el contexto de este cuadro puede entenderse como (can be understood as) el sueño que sigue al sexo (a dream which follows sex), sugiere que el cuadro se hizo para una habitación privada.

Botticelli pintó temas mitológicos con más frecuencia que Fra Angélico.

En este sentido es (In this sense it is) un pintor típico del Renacimiento.

Existía una verdadera obsesión por acercarse al mundo (There was an obsession to approach the world) de la antigüedad clásica, cuya grandeza y superioridad proclamaban los restos de edificios y esculturas que se podían ver en Italia y en otros sitios de Europa.

En su afán por imitar modelos antiguos, los arquitectos renacentistas lo tenían fácil (had it easy): existían edificios que podían imitar.

Los escultores (sculptors) tenían esculturas que podían imitar también, pero los pintores lo tenían más difícil: poquísimos restos de pintura (very few traces of old paint) antigua habían sobrevivido.

Lo que hicieron fue (What they did was) representar temas mitológicos o de Historia Antigua e inspirarse en las esculturas antiguas.

En este cuadro por ejemplo, la forma de representar los pliegues del vestido (the dress folds) de Venus se inspira en esculturas romanas y la pose de las dos figuras se basa en un sarcófago romano.

Un tema central en este cuadro es la belleza.

Venus ha triunfado (has triumphed) gracias a ella: los detalles de su cabello y sus ropas son una preciosidad (gorgeous).

La belleza suave y tranquila (The smooth and quiet beauty) es típica de Botticelli.

Pensad en este cuadro como una invención poética, es una idea, un estado de ánimo (a state of mind) transformado en pintura.

Este cuadro se titula El nacimiento de Venus.

Es uno de los cuadros más famosos de Botticelli.

Muestra la llegada (It shows the arrival) de Venus a la tierra, a la orilla.

Venus representa el amor y la belleza en la antigua mitología.

Es difícil imaginar algo más importante que esto.

Pensad en un mundo sin amor y sin belleza...

La figura de Venus se inspira en estatuas griegas y romanas.

La elegancia de las poses y las líneas sinuosas son características de este pintor.

En la escena vemos que Venus llega a tierra empujada por el aliento de un hombre que (pushed by the breath of a man?) personifica la suave brisa (the gentle breeze) que trae la primavera.

Él lleva la primavera en sus brazos.

La mujer que recibe a Venus es Flora, diosa de las flores.

Los mitos antiguos aún nos pueden servir (can still serve) para sentir y para comprender cuestiones de profunda importancia sobre las fuerzas que gobiernan nuestras vidas.

La interpretación que el artista hace en esta escena de la mitología nos ayuda a comprender el poder del amor y de la belleza como fuerzas generadoras de vida.

Son como la primavera que trae vida a la Naturaleza.

Lo que ha pintado aquí Botticelli es diferente de lo que se encuentra (is located) en las obras de arte y en la naturaleza que le inspiran.

Lo que ha hecho el pintor es traducir esa realidad y esas fuentes en algo nuevo (these sources into something new).

A esa creación de algo nuevo partiendo de fuentes anteriores (based on earlier sources) la llamamos arte.

Fijaos en la imagen: vel cuello de la diosa (the neck of the goddess) es excesivamente largo y uno de sus hombros cae demasiado (falls too).

El pintor ha transformado la anatomía de la mujer para poder transmitir su idea.

Esta mujer hermosa, delicada, elegante, representa nada menos que el amor y la belleza, dos de los mejores regalos que nos ofrece la vida.